|
片中展示了厨房纸的错误用法。 |
|
导演父亲拿出剧本，认为只有女儿能演得出来。他自以为是献上了伟大的作品，对女儿来说却是最残忍的坦白。这证明了：你的痛苦我一直清楚，但清楚之后，我认为这份痛苦适合被加工成我的作品，而不是以父亲的身份抚慰你。女儿读着剧本哭了，她终于从白纸黑字里看懂了父亲。原来他甚至能用文字精准且细腻地描述那些困住她前半生的孤独与崩溃，可他袖手旁观。
最悲剧性的，就是电影没有让父亲单纯的成为一个反派。他说这剧本是为Nora写的。他可能真诚地认为，这是他能做到的，最为深沉的关注形式。他把在现实中未能给予的保护，转化成了他认为永恒的艺术。艺术成了他逃避现实责任、却又自我感动的神圣借口。
电影结尾没有让父亲忏悔，不给圆满结局，只是让Nora完成了那个剧本的演绎。这个选择很厉害，她不是原谅，而是拿回了诠释自己故事的权利。 |
|
当称职爹的方式虽然有很多种，但是指望拍电影来当好爹是万万不能的 |
|
4.5/5，"Look at you, you’re so goddamn angry. It’s so difficult to love someone who’s that angry." 台词写得太好了。举重若轻的一部，笑着笑着就哭了。在我人生很需要这种和解的鼓励的时候，这片子来到我的面前。 |
|
能做导演的都是狠人，在生活中剥削家人的情感，还把这场剥削放上荧幕，美名“艺术源于生活”。有花花肠子，也能循循善诱，能感同身受，也能置身事外。操控的是他，叙说的还是他。好一场父权大秀 |
|
文本到了话痨的程度，有费里尼的影子，故事试图模仿伯格曼，但思辨能力太浅。最喜欢里面的影迷梗，既走心也走肾，比如男主角在十岁的外孙生日时，给他送上了《钢琴教师》《不可撤销》光碟，希望他借此了解女性，但家里没有碟片播放器，这看起来像是对电影人的贴脸讽刺，有科技发展带来的悲伤，也有对电影行业反思的温度。提尔的剧作才华横溢，代际创伤的讲述适可而止，情感的藤蔓只在房子内部蔓延，父女关系恰巧保持在狗血的界限之外，艺术成为衡量情感价值的度量衡。是一部真正把电影作为媒介的电影。 |
|
你爹虽然离开15年，但最懂你的依然是你爹，你因为你爹一直这么难受，你爹又主动愿意跟你和解，那你俩最后不和解还等什么呢？用祖宅-家族史-非虚构角色-“替身”演员这一系列多重叠加可供丰富解读的概念链条，搭了个内核相当保守的故事，就挺无感的，那些电影业内部笑话也比较多余。 |
|
你的成长父亲从没参与，他是怎么做到仿佛亲历一切？你出生在祖母去世的房间，怎么延续她经受的酷刑？房子会喜欢热闹还是冷清，是怕痒还是害怕噪音？知道你的全部脆弱，甚至自杀的念头。就像那个有情感价值的花瓶，或者用来骗人的宜家圆凳。你至少看起来无恙，在你选择了结的时刻，听到了命运的敲门声。 |
|
戛纳No.32｜好令人困惑的表达。我一直在试图解码影片中房子，电影与情感之间的相互关系。有那么几个时刻，它似乎在说房子将情感以物质现实的形式留存，而电影通过扮演与再创作产生新的情绪。前者禁锢，后者传递，我喜欢这种探讨。但还有很多时刻它像是一出庸俗的情节剧，人物以一种预期之内的方式崩溃，哭泣，相拥，和解。其实看的时候时不时会想到坠楼，相比之下，它就没有特里耶那种对情感与人性幽微时刻的精准捕捉。在《情感价值》中，建筑是建筑，电影是电影，情感是情感。 |
|
好看的，但不要细想。更不要和伯格曼比。 @Cannes2025_Bazin |
|
好聪明。技术很棒。导演要一辈子拍父权之伟大吧。应该永远不会停。伯格曼拍了一部电影处理了他和父亲之前的关系，艺术家用自己的作品治疗自己是常识/常事。我宁愿导演拍的是父子关系、也许会更棒。非要拍女性，最最内核的地方没有对应上。 |
|
这部电影没有结构和形态，也没有情感的焦点。
所有感情和关系都是讲给我们知道，而不是拍出来让我们感受到。譬如姐姐和妹妹拥抱的戏，我们理解却毫无波澜，因为她们此时说给彼此的远远大于我们所见的；父女关系也是，不展示问题实质；她的舞台恐惧、亲密关系的失败、以及自杀倾向，与父亲的联系只是文学性的联想而不在电影里。
对沟通失败的表现也很虚弱，即让人物重复：我们说不成话/ 我们得说话/ 莫名起身离开说我跟你说不了
须知不展示说话和展示无法说话是两回事。
故事不断在原地打转，像肥皂剧，可以在任何时候开始或任何地方结束；人物没有发展，我们只是慢慢习惯了角色，感到有责任关心他们，并非他们真做了什么让我们真正开始在意。
尽管意图很好且平易近人，关于拍电影的部分还是显得有些自恋。
黑场的剪切和音乐的使用都苦不堪言。 |
|
和一千五百人在14℃的雨中看完露天场。 |
|
金棕榈的有力竞争者，比世糟也好不少。一对极其孤独的父女依靠电影艺术完成了相互拯救，而重要的是电影并非现实的机械还原，它模拟现实最终也要超越现实、反哺现实。在不断黑屏的断裂影像中，约阿希姆·提尔和演员共同创造了几个非常动人的角色，每个表情背后都有非常复杂的情愫 |
|
温吞、保守又乏味，和伯格曼之间至少差了5个是枝裕和。很难想象21世纪都过去1/4了横扫影坛大奖的还是这种聚焦父女和解、“浪子回头”与用半自传性电影艺术来疗愈过往家庭创伤的自恋故事，拜托能别再霍霍元电影这个题材了吗……片子的有效信息量和情感深度低得可怕，视听语言更是无甚亮点，感觉就像从哪部古早家庭伦理剧里随便抽出来两三集似的。老戏骨斯特兰·斯卡斯加德演这种故事手到擒来，艾丽·范宁的表演很出彩。围绕自戕阴影及相互托举的姐妹关系的几场戏比主线动人不少，结尾一镜继续工整俗套地和稀泥。（6.5/10） |
|
也许是《我的母亲》之后再一部坚定地站在演员这边的电影，证明了戏剧工作，“出演”和“重现”本身如何正视，袒露和解救濒危的个体，以及奄奄一息的家庭关系，即便这种危机本身恰恰是由于同样的工作引起。一个被代际创伤萦绕淹没的家宅，最终家中的每一位成员却都得益于“扮演”相互拯救，从而自我解救，因为戏剧正是以“入魔”来“驱魔”，以虚拟的相聚续写真实的空白，一种美丽但遗憾的矛盾体。而这一种珍贵的伦理观在范宁的角色上最大化地体现，一个演员尽力化身入戏后诚恳地承认失败，让出位置，而导演也坦然以对，却不将其视为一种失败：对真实的扮演者和戏剧中的角色双重的，饱满的肯定，这才是真正的sentimental value。 |
|
四星半。影片以对舞台充满惊恐的著名戏剧女演员诺拉抗拒表演为开场，而她所饰演的角色正是挪威剧作家易卜生代表作《玩偶之家》的女主角诺拉，这无形为她的人物状态成因埋下伏笔。抛弃女儿的导演父亲、崩溃边缘的戏剧女演员、心理充满疙瘩的主妇姐妹、渴望获得演技认可的好莱坞女明星，提尔用一个近乎伯格曼式的角色关系设置，来窥探心理创伤和嫉妒的异化体态。当地基出现裂缝，在倾覆前是永久性的惴惴不安。这样的比喻既属于角色间的情感关系，也是一个家族模样的具体写照。提尔在展示创作野心的同时，保持着很好的剧作趣味性，也对电影行业的颓败发出感叹。四位主演雷娜特·赖因斯夫、斯特兰·斯卡斯加德、艾丽·范宁、英加·伊布斯多特·莉莉亚斯的表演精彩纷呈。 |
|
最后那段姐妹之间的对话太动人了，“为什么有同样的父亲，但只有我长成了一个fucked up person而你好好的？” “因为我出生的时候已经有了你。”看到这里觉得其他角色都不重要了，电影里只剩下她们两个人🥹虽然在讲一个糟糕父亲的故事，但对塑造的人物又都有某种宽容，真实的人生就是这样的，没有爽文，没有全然割裂的爱恨，感情都交织在一起化作某种粘稠的东西。 |
|
比导演之前的作品更现实复杂，但仍然观感流畅舒适，保持了他洞察subtle情感的能力，人物仍在困惑挣扎。在很多评论瞧不上“白人”痛苦轻薄的同时，我相信我们自己或者周围人或多或少都有这些时刻，像是现代人的病症。所以你好吗？我很好。但你真的好吗？这些纵向“家族”的纠葛，总让我想到伯格曼。 |
|
虽然我是看哭了，但是太白了吧……高贵北欧人：我抑郁酗酒，但是美国电影滚出欧洲 |
|
指望东亚女感悟什么？幻想其实自己父亲是能够深深体贴自己的吗。放屁，三十岁的女人只能独自疗伤，然后还要一边自我PUA父亲他奉献一切，是爱我的。妈的 |
|
很丝滑地走完了一整套对抗与和解的旅程，家庭的纽带与裂痕、电影创作与存在焦虑、跨越代际的隐秘伤痛再次显影，可以想象若莫莱蒂拍会是怎样的简省、轻盈与幽默，提尔则完全走向反面，调用各种繁复技法为情感提供依据，直至全片陷入一种冗长的空洞的傲慢的忧伤，很紧绷的创作姿态。事实上，没有任何一种情感是浅薄的，故作深刻地赋予其“情感价值”只能暴露浅薄。 |
|
妹妹真好呀，总是穿着看起来暖绒绒的毛衣，总问你ça va? 你不接电话我会担心，你逃跑我留下来寒暄，哪怕语无伦次；你拒绝看剧本，妹妹即使发了脾气也通宵看完，然后第二天精准的找到那一篇我知道能打动你的那页让你大声读出来；你走进房间，我就默默在外面收拾你的脏碗盘子.. 任何一个任性的人其实都是身边温柔的人圈养出来的“我们的童年并不一样，我有你” 这结尾真是绝了！爸爸该得奖！ |
|
导演作为北欧人，拍起这种题材，跟意大利人、美国人和中国人都不太一样，他试图走向伯格曼，但碍于故事层面上的“体体面面”回避了冲突滑向狗血的可能性，最后只是丝滑地走完了父女和解的故事流程，主题上终究谈不上深刻。但约阿希姆·提尔拍得很cinema，很喜欢他对情绪的处理，镜头推到演员脸上，不论是摄影还是演员表演都化繁为简，就像片中老导演追求的长镜头调度一样，有话剧般的真实和从容。 |
|
白男白女看了会长篇大论的工业片 |
|
苍白肤浅，空洞乏味。太白了，为赋新词强说愁 |
|
平遥电影节，露天剧场，站台。 无法形容跟着电影里面情绪的流动是多么美妙的一件事。就算是需要经受冷风，细雨吹打，依然觉得有电影真好，有那么多丰富的情感可以容纳,好多触动的瞬间。当电影尾幕，开始靠着后座仰起头，看到了夜空，任泪水流下，喜欢这样的瞬间。 |
|
福茂是给奥斯卡选的片？从世糟就能看出来，提尔是擅长拍“精美”电影的导演，装点“时髦”镜头，炮制通行的“情感保健品胶囊”，来到这一部情感机械的环环相扣更工于心计，他更学会在哪些时候要压抑住窃笑的神经假装冷静克制，可事实更像片中老导演回顾展见面会场下的观众——电影知道什么时候该播放再暂停一早准备好的罐头掌声。其实无关乎议题的陈旧（没有哪个议题本身是陈旧的），而是对电影和表演的魔力表现出一种幼稚的轻信，这实则是自大，电影怎么就这样变成了和解的灵药？它本应总是携带着无法预测的副作用，光亮平整的表面下它的引力更来自令人胆寒的神秘黑洞，怀念两年前的五月十二月。事到如今恐怕只有在伍迪艾伦这样的虚无主义者那才能容下这样一种无邪之爱，可是后者事先与庸常甘苦参半的和解不也才是另一种英勇吗？可惜了几位优秀的演员。 |
|
今年奥斯卡女主提名竞选者，打开电脑一看，发现以前看过的，不知是未看完还是忘了写观感。北欧家庭文艺片，在人物性格及关系上下功夫。可看。 |
|
你爹期望能与你和解，破冰之举，是写了一部用来疗愈他童年创伤、了却他毕生心结的戏，并劝说你担任主角，基由一种把你编入他的自恋架构、协助他实现自我完成，并再创人生辉煌时刻的方式，来重建父女联结——像不像《哈姆奈特》的内核？咱就是说，这些当爹当老公的吧，能不能整点新鲜的，有用的？可拉倒吧，这些关于爹的狗屁陈词滥调，我一句也不相信。另：看的时候心说，这回倒是该给艾丽.范宁个女配提名才是啊，跑去一翻条目，原来已经提了。 |
|
轻盈又沉重 |
|
对《世界上最糟糕的人》不是很感冒，但还挺喜欢这部。最喜欢的是其中的元电影元素：关于电影制作的一些现状、拍电影还是情感剥削、表演还是逃避生活…当同一段台词被第二个人物念出时，当同一个镜头先是被描述然后被实现时（老宅变成了摄影棚，不自然的光线、蓝色墙纸铺出的窗外天空，挪威国旗变成了手机！但还是一个长镜到底），我还是有一点点被惊艳到。好久没看这么多大用滥用特写镜头的片子了，每个主角都被给了无数脸部大特写，非常考验演技。而这几个人演得都很出色。姐姐的脆弱与忧郁气质、她妹妹的坚强与关怀、父亲的那种既可恨又真诚的一体两面，都表现得非常到位和动人。Renate Reinsve这个表演真的值得拿奖。 |
|
最喜欢开场对房子的描述，仿佛是整部电影的提纲——以房子为基点囊括家族史，以房子为主视角见证几代人离散归来，将时间绑定在某个特定空间内的调度是好看的，可惜父女三人羁绊与房子的联结并不强（甚至后半部逐渐消失），且视角分散到三人后显得凌乱而冗余；以虚构创作代偿解决现实的痛苦并辅以戏中戏，以及仍在寻求代际和解的主旨，实在已审美疲劳。
情感纠缠的家庭戏份很难不联想到伯格曼，但究其浓度和深度而言，偏于平淡；印象深刻的倒是有几个场景颇为神似《镜子》。 |
|
-你跟爸爸说过 我企图自杀的事吗？
-不，当然没有。我也这么想，他怎么知道的？这混杂了他母亲的故事。有时候 就好像你经历艰难时他就在现场一样。
-他当时不在场，是你当时在场。
-这怎么可能呢。你过得这么好 而我却这么糟。
-别这么说。
-我们经历了那样的童年，你是怎么挺过来的。
-对我来说也不容易。
-但你成功组建了家庭，一个家。
-是，但我们没有相同的童年，我有你。你以为你没有能力照顾别人，但你曾在那里为我，当妈妈状态不好的时候，你帮我洗头发，你给我梳头，你送我去上学，我感到安全。（姐妹俩在床上深情拥抱）我爱你。
-我也爱你。我也爱你。
——
2026.03.16：《情感价值》获得第98届奥斯卡奖 最佳国际影片。 |
|
动人又拧巴的挪威如父如女，失职老父亲暮年想靠“艺术通灵”的方式向女儿告解，这操作对东亚观众来说多少是有点解码负担了。看北欧中产因“残缺”童年就如此纠葛崩溃，以至遁入黑暗，难免会产生一种得了什么“第一世界病”的错觉。可讽刺的是，我们东亚人才是最能敏锐、清晰、透彻的体察到所谓“代际创伤”能对身心造成的戕害之深的民族。我们的“祖宅”是在历史的叙事中被不断强拆、变卖、抵押的存在，我们自以为早已隐匿的、坚韧的情感茧房，终究还是掩藏不了对自我完整的叙事渴望。那座带有裂痕的老屋最终被老父亲出售，变现为联结祖孙三代人“人生电影”的启动资金，某种程度怎么又不算是个充满东亚式血浓于水智慧的决定呢。只可惜对于电影里这种唯有掌握某条文化路径，才能顺当开启人与人内在沟通的设定，于普通人而言，是真羡慕，但又遥不可及 |
|
繁复的视听设计，空洞的情感内核。
看完只觉得北欧中产白人的生活还是太幸福了，才会脆弱成这样。因为艺术大爹的缺席，就被创到情感障碍了，想自杀了。咱要不试试东亚创伤呢？来点情感勒索、权力控制、肉体精神双重暴力呢，那得崩溃成啥样啊？白人对原生家庭创伤的想象力未免也太贫瘠了。
还有都怯场到严重舞台事故了，也没个B角顶上，下部戏照样演女一号。这职场竞争，这环境容错率，实在令人羡慕。
借妹妹聊剧本之口说出“他不在场却仿佛明白一切”，还有结尾姐妹俩笑着看父亲和护士调情，Jesus，别太荒谬！ |
|
#PYIFF9 黑白、胶片、手持、固定镜头、推轨、笑料、巧思…提尔太明白哪些时候他该赋予影像何种质感，何时抛出段子，何时故作伤感。于是一部艺术家自大的爹味电影完美隐藏在了“思想解放的文艺片”噱头之后，是时候给《噢，加拿大》平反了。太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了太烂了 |
|
来自有毒原生家庭的人都知道，一个剧本就能一笑泯恩仇是不可能的。 |
|
人陪女儿玩芭比，我弃女儿为拍戏。角色招来能一哭，童年逝去无人替。可怜姐妹命相依，只怪老登太文艺。 |
|
1.5 / 一如既往地做着不怎么时新的时新话题联播还仿佛觉得自己很幽默的提尔。人物关系的描绘几乎完全不奏效，半个多小时后演员们的面面相觑就变成纯粹尬演了。假装克制，实则彻底空洞。 |
|
挪威演艺家庭版“爸爸再爱我一次”。约阿希姆·提尔用各种繁复的表现手法以一栋老宅为锚点，讲述父女关系的破裂、重塑与和解。然而越用力越看出跟伯格曼“秋日奏鸣曲”的差距，范宁纯纯工具人角色。这都能拿评审团大奖毕赣表示不服（比诺什阿姨糊涂啊，要给“狂野时代”撕奖就不能更用力点吗~） |
|
条条大路通伯格曼，继承了伯格曼的角色特质、诗学体系和精神内核，探讨了被遗弃的创伤及其应对机制。根源往往要追溯到童年，因为父母的行为决定了孩子以后的整个生活。摄影偏爱大的面部特写，尤其是眼睛，永远隐藏着难以言说的痛楚。冷色调占主导，成为这个家族精神世界缺乏温暖的明显表现，荒凉的房屋内饰和外科手术般冰冷纯净的空间，每一处细节都在讲故事。直至第三幕，导演将所有的故事层次结合在了一起。 |
|
喜欢片头关于房子的隐喻，而世世代代的trauma就像墙上的裂缝一样无法愈合。导演手下留情在结尾给了父女关系一个和解，就像重新装修粉刷的房子一样。 |
|
好自恋的男性叙事。
海报上是两个女儿，实际内容完全是以老白男为中心的自我感动，这叫反转还是诈骗😅 |
|
比《世糕》好 ｜ 二刷4降3 |
|
尽管比《世糕人》好一些，但依然是旧酒装旧瓶。家宅在空间喻指上比同届的Sound of Falling或Die My Love都差了太远，艺术水准也就到此为止了。这片不如叫“情感正确”，因为在这类电影中几乎所有演员的表演走势，以及剧作走向都是可预见的，是能够一眼望穿的。仿佛所有情感层面的碰撞与共振都能在这本标准的规范指南上找到答案。 |
|
3.5。第一感觉是喜欢的，文本细腻，表演准确，判断悬置，不是一部表达观点的电影，更像一次不肯善终的对话。往深里想，又感觉到对父亲的审美偏袒是存在的。叙事似乎更多围绕着理解父亲，他被允许沉默、迟钝、逃避，却仍然被当作复杂有深度的人，而女儿的痛苦被理解为源自关系问题，更容易被功能化，作为情感反馈和艺术的燃料。也有把创作者的残忍浪漫化的倾向，讲述痛苦不一定会疗愈被讲述的人，但创作系统本身，会奖励成功讲述痛苦的人。 |
|
登味太重 不和解又能怎样 出走一生归来仍是原生家庭的奴隶 在大舞台下是控制全场的焦点是克服phobia的大女主 结果到头来还是要在摄影机前在乎自己有没有赢得那个自私自利老爹的认可 真的 我们没有那么可悲 不和他们和解我们不会死的好吗 |
|
表层讲亲情，里层夹的却是关于艺术的本质问题。艺术是如何产生的？艺术家又是什么样的人？就像片中父亲所说，艺术家不是含情脉脉的人，不是能够安于中产阶级式生活方式的那类人，艺术创造，很多时候是强势到近乎强权的，因为只有这样，它才能走向深处，拔到高处。人不能拔着自己的头发飞起来，但艺术家要做的，恰恰就是拔着自己的头发飞起来。所以吊诡的情况也出现了，他们又很脆弱，常常摔得粉身碎骨。表面上看，这电影讲亲情，但其实，是在讲艺术是怎么回事，它能给人带来多大的伤害，同时，它又有多大的治愈能力。只是，两者并不能相互抵消，而只能共存。 |
|
最大的感慨是北欧人好脆，只因父母吵架缺乏父爱造成那么大创伤，放到中国不敢想象有几个是健全的 |
